Alberto García-Alix, gran protagonista del festival

Entre todos los nombres que pasarán por FUJIKINA Madrid 2026, destaca especialmente la presencia de Alberto García-Alix, una de las figuras fundamentales de la fotografía española contemporánea.

El fotógrafo leonés presentará «La ausencia como estímulo». este es el título de su libro y de su conferencia visual, donde explora cómo la ausencia, la memoria y la experiencia vital atraviesan toda su obra. La propuesta combinará reflexión personal y una selección de 68 imágenes, muchas de ellas inéditas y realizadas durante los últimos quince años.

La participación de García-Alix supone uno de los grandes atractivos del festival y consolida la dimensión cultural y artística de FUJIKINA más allá del ámbito tecnológico.

María Santoyo

María Santoyo es la actual Directora de PHotoESPAÑA y una de las mentes más brillantes de la gestión cultural y la historia del arte en nuestro país. Con una trayectoria internacional envidiable como comisaria, ha trabajado con los legados de figuras de la talla de Richard Avedon o Berenice Abbott. Su visión es fundamental para entender la fotografía no solo como técnica, sino como un pilar del pensamiento contemporáneo.

En FUJIKINA: Actuará como el «cerebro» académico del festival, moderando la mesa redonda central «Lo que nace». Su papel es elevar la charla técnica a un debate profundo sobre la historia, la evolución y el futuro de la cultura visual en Europa.

• Pódcast: https://imagingmagazine-es.fujifilm.com/reflexion-sobre-la-imagen-con-maria-santoyo-y-matias-costa/

Matías Costa

Matías Costa es un reputado fotógrafo, escritor y comisario argentino que vive en Madrid. Es una figura clave en la fotografía contemporánea en España, conocido por ser uno de los cofundadores del colectivo NOPHOTO y por su profundo enfoque en temas como la identidad, la memoria, el territorio y las migraciones. Participará en la mesa redonda sobre PHotoESPAÑA.

«Lo que nace»

La exposición que forma parte del programa oficial de PHE26, mostrará una travesía desde el descubrimiento hasta la plenitud creativa de la mano de Matías Costa, primer ganador de los premios Descubrimientos de PHotoESPAÑA en 1998 y Sonia Celma, ganadora Descubrimientos PHotoEspaña 2025.

Angélica Dass

Creadora del mundialmente reconocido proyecto Humanae, su trabajo es una reflexión profunda sobre el color de la piel y las etiquetas sociales. En FUJIKINA aportará su visión sobre la fotografía como herramienta de transformación social y empatía. Impartirá uno de los Workshops especializados, donde trabajará la identidad y el retrato desde una perspectiva humana y sociológica, retando los códigos visuales preestablecidos.

¿Qué es Humanae?

Humanae es un proyecto que transciende lo artístico y se convierte en activismo. La brasileña Angélica Dass ha fotografiado a más de 4.000 personas de decenas de países distintos y ha unido sus retratos en una escala una cromática inspirada en las cartas de color Pantone. Y así es como descubre que personas con un «pantone exacto» viven en una realidad totalmente diferente y en lugares opuestos del mundo. Humanae explora, por tanto, la diversidad humana a través del color de la piel y desmonta la noción tradicional de «razas».

Estela de Castro

Especializada en retrato y fotografía documental con fuerte dimensión social desde una mirada muy humana y cercana, donde el tiempo compartido y la relación emocional con las personas retratadas son parte fundamental de la obra final. Ha trabajado proyectos vinculados a los derechos humanos, la memoria histórica y el activismo animalista. Su estilo destaca por la cercanía emocional y la profundidad psicológica de sus imágenes. Participará en la exposición colectiva del festival en el COAM junto a fotógrafos como Samuel Aranda, Toni Amengual, Álvaro Sanz y Nerea Garro.

Estela de Castro tendrá una de las participaciones más completas de FUJIKINA Madrid 2026. Impartirá un Workshop especializado y estará presente en la exposición colectiva del festival en el COAM. Su keynote, titulada «La fotografía como herramienta», abordará el poder de la imagen como instrumento de memoria, denuncia y transformación social, a partir de proyectos vinculados a los derechos humanos, la memoria histórica y el activismo animalista. Su intervención reflexionará sobre la dimensión ética de la fotografía, la representación del dolor y la capacidad del retrato para generar empatía y conciencia social. Además, su Workshop estará orientado previsiblemente al retrato documental y a la construcción de una mirada personal más allá de la técnica, reforzando el perfil más humanista y comprometido de la programación de FUJIKINA.

Eduardo Nave

Cofundador del colectivo NOPHOTO y uno de los fotógrafos contemporáneos más premiados de España. Su trabajo destaca por la investigación sobre el paisaje y la memoria de los lugares. En FUJIKINA imparte el Workshop especializado sobre narrativa y territorio, aportando su experiencia en proyectos de largo recorrido.

¿Qué es NOPHOTO?

El colectivo NOPHOTO es uno de los grupos más influyentes de la fotografía contemporánea española de las últimas dos décadas. Nació en Madrid en 2005 como una plataforma de creación y colaboración entre fotógrafos que querían renovar la manera de entender la fotografía documental, alejándose del reportaje clásico para acercarse a una mirada más personal, artística y emocional.

NOPHOTO funciona como un espacio creativo y de reflexión visual donde se desarrollan proyectos vinculados a la memoria, la identidad, el territorio, la familia o los cambios sociales. El colectivo ha estado muy ligado a PHotoESPAÑA y a buena parte de la escena fotográfica contemporánea española, reuniendo a autores como Matías Costa, Estela de Castro o Toni Amengual. Su importancia radica en haber impulsado una fotografía más subjetiva y narrativa, donde la imagen funciona no solo como documento, sino también como herramienta artística y de reflexión cultural.

Samuel Aranda

Este fotoperiodista reconocido por su cobertura de conflictos armados y crisis humanitarias, ganó el World Press Photo. En el marco del festival ofrecerá una conferencia sobre fotoperiodismo y fotografía documental contemporánea. También participa en la exposición colectiva del festival.

Samuel Aranda después del World Press Photo

Samuel Aranda se convirtió en una figura internacional de referencia tras ganar el World Press Photo en 2012 con una imagen tomada durante la Primavera Árabe en Yemen: una mujer abrazando a un familiar herido dentro de una mezquita improvisada como hospital de campaña. Aquella fotografía, comparada muchas veces con una «Pietà» contemporánea, marcó un antes y un después en su carrera y lo situó entre los grandes nombres del fotoperiodismo internacional.

Aranda ha ido alejándose progresivamente del fotoperiodismo más inmediato y de la lógica de la imagen impactante para desarrollar una mirada más pausada, íntima y humana. Su trabajo posterior se ha centrado menos en la espectacularidad del conflicto y más en las consecuencias sociales y emocionales de la violencia, las migraciones, la pobreza o la exclusión.

Ha trabajado en Oriente Medio, África, Asia y Europa documentando crisis humanitarias, pero cada vez con un enfoque más cercano al ensayo documental y a la exploración de la vida cotidiana de las personas retratadas. En los últimos años también ha desarrollado proyectos más personales sobre identidad, espiritualidad y comunidad, consolidando un estilo muy reconocible por la cercanía emocional, el uso expresivo de la luz y una fotografía profundamente humanista.

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Toni Amengual

Artista visual, fotógrafo y editor. Su obra investiga los límites físicos de la fotografía y la relación entre imagen, memoria y soporte material. Combina fotografía, instalación y experimentación visual. Impartirá la conferencia «Fotografía más allá de la pantalla» y formará parte de la exposición colectiva.

¿El medio es el mensaje?

A diferencia de otros fotógrafos centrados únicamente en la captura de imágenes, Amengual trabaja también sobre el objeto fotográfico, el archivo, la impresión y la circulación de las imágenes, explorando cómo cambia su significado según el soporte, el contexto o la manera en que se consumen. Gran parte de su obra investiga la saturación visual contemporánea y la pérdida de relación física con la fotografía en un mundo dominado por pantallas. Por eso, muchos de sus proyectos incorporan libros, instalaciones, archivos intervenidos o fotografías manipuladas físicamente, llevando la imagen más allá de la simple reproducción digital. En su trabajo aparecen temas como la memoria, la identidad, el consumo masivo de imágenes, la política visual o la construcción de relatos colectivos.

Nerea Garro

Su trabajo, caracterizado por una mirada íntima y poética, estará presente en la exposición colectiva. Ella será la encargada de abrir el programa de conferencias con la charla «Fotografiar: intuición, juego y oficio».

Álvaro Sanz

Dirigirá sesiones de Live Shooting y ofrecerá la conferencia «En busca de un Ålbør eterno» sobre fotografía, vídeo y expediciones visuales. No en vano es un autor especializado en documentales y viajes extremos. Ha desarrollado proyectos visuales en Alaska, el Himalaya o la Antártida, combinando cine y fotografía narrativa.

«En busca de un Ålbør eterno»

El título alude a un lugar simbólico —«Ålbør»— que representa la búsqueda de lo remoto, lo inalcanzable y lo permanente en paisajes sometidos al cambio constante. A partir de sus vivencias en lugares remotos, construye una narrativa visual en lugares donde la luz, el clima y el aislamiento condicionan completamente la fotografía. Los viajes transcienden el hecho fotográfico y se convierten en procesos personales donde la imagen sirve para hablar de la fragilidad del planeta, el paso del tiempo en los paisajes extremos, la relación entre aventura y documentación y la construcción de relatos visuales en contextos límite.

Lee esta entrevista con Álvaro Sanz: https://quo.eldiario.es/naturaleza/q2605831523/alvaro-sanz-fotografo-de-naturaleza-no-estamos-en-la-naturaleza-ni-vamos-a-ella-somos-naturaleza

Joan Vendrell

Él es uno de los divulgadores de fotografía más populares en España, especializado en fotografía callejera y de viajes, combina creación visual y contenido educativo en redes y YouTube. Es por ello que, además de participar en conferencias, dirigirá varios Photo Walks por Madrid.

El Método CAPER

Es una guía de composición creada por Joan Vendrell que utiliza un acrónimo de cinco pasos esenciales para ordenar visualmente una escena antes de disparar: Composición para ubicar al sujeto, Alineación para cuidar el horizonte y las líneas verticales, Perspectiva para buscar ángulos originales, Eliminar para sacar del encuadre los elementos que distraen, y Revelado para previsualizar la edición final antes de tomar la fotografía.

Luana Fischer

Luana Fischer es una destacada fotógrafa, artista visual y docente brasileña que reside en Madrid desde hace aproximadamente dos décadas. Su trabajo se mueve entre el fotoperiodismo, el retrato editorial y la fotografía de autor con un fuerte enfoque social. Impartirá uno de los Workshops especializados del festival. «La sutileza y el tiempo en el retrato» propone trabajar el retrato desde una mirada lenta, sensible y emocional, alejándose de la fotografía rápida e inmediata que domina hoy en redes y medios digitales.

Su propuesta para FUJIKINA Madrid 2026 se centra en el trabajo del retrato desde una perspectiva pausada y consciente, alejándose de la inmediatez habitual de la fotografía contemporánea en redes sociales. Durante la sesión se abordarán aspectos como la construcción de confianza con la persona fotografiada, la importancia del tiempo en la creación de la imagen, la lectura de gestos mínimos y la búsqueda de una narrativa emocional más profunda. También se explorará cómo la fotografía puede convertirse en un espacio de escucha y sensibilidad, en lugar de una simple captura rápida del instante.

Rafael Trapiello

Es miembro del colectivo y agencia NOPHOTO desde 2014 y cofundador del colectivo Nación Rotonda, dedicado a documentar la transformación del territorio español. Su workshop titulado «Mirrors in Ioannina: sobre el retrato fuera del tiempo» girará en torno a uno de sus proyectos más recientes, centrado en retratos de personas refugiadas en Ioánina (Grecia).

«Mirrors in Ioannina: sobre el retrato fuera del tiempo»

El proyecto se desarrolla en Ioánina, una ciudad del noroeste de Grecia que ha sido históricamente punto de tránsito y asentamiento de comunidades refugiadas. A partir de ese contexto, Trapiello construye una serie de retratos donde el tiempo parece detenerse, alejándose del retrato inmediato o descriptivo para centrarse en la presencia de las personas más que en su circunstancia.

La idea de «espejos» es una metáfora sobre la identidad y la mirada, donde cada retrato actúa como un reflejo entre fotógrafo y retratado, pero también entre el espectador y las historias que aparecen en las imágenes. El trabajo busca que el retrato no sea solo un registro documental, sino un espacio de encuentro humano en el que la persona fotografiada conserve su dignidad y su complejidad.

Rodrigo Roher

Es una de las miradas más interesantes de la fotografía de calle (street photography) en España. Actualmente reside en Salamanca, ciudad que utiliza frecuentemente como escenario para sus exploraciones visuales.

Trabaja especialmente con la interacción entre figuras humanas y elementos urbanos como sombras, reflejos, geometrías arquitectónicas o señales visuales que construyen narrativas abiertas dentro de cada escena. Su estilo se asocia a una street photography muy contemporánea, donde el color tiene un papel protagonista y las situaciones cotidianas se transforman en pequeñas historias visuales.

En FUJIKINA Madrid 2026 participará como guía de los Photo Walks, una de las actividades más prácticas del festival. En estos recorridos por Madrid, acompañará a los asistentes en sesiones de fotografía callejera en tiempo real, ayudándoles a entrenar la mirada, mejorar la capacidad de observación y aprender a reaccionar ante escenas espontáneas de la ciudad. La actividad está pensada como una experiencia formativa en movimiento, donde la teoría se sustituye por la práctica directa en el entorno urbano.

Sonia Celma

Sonia Celma es la voz del nuevo talento documental en España. Ganadora del premio Descubrimientos PHotoESPAÑA 2025, ha irrumpido en la escena con un lenguaje poético y delicado que trabaja desde la pausa y la emoción pura. Su proyecto «Como una luz que se apaga»—un íntimo relato visual sobre la memoria y la identidad frente al Alzheimer—la ha consolidado como una autora capaz de transformar lo personal en universal.

En FUJIKINA: Co-protagoniza la exposición colectiva en el COAM y participa en la mesa redonda central junto a Matías Costa y María Santoyo. En este encuentro, analizarán el relevo generacional en la fotografía y debatirán sobre cómo la imagen sirve, más allá de para documentar, para retener lo que se desvanece. Su proyecto «Columna»—una profunda exploración visual que conecta la arquitectura clásica con el cuerpo de su hija tras ser diagnosticada con escoliosis—la ha consolidado como una autora capaz de transformar la fragilidad personal en un relato universal sobre la identidad y la imperfección humana.

Gaby Chinea

Gabriela Chinea es una fotógrafa canaria afincada en Madrid especializada en street photography o fotografía de calle con enfoque humanista. Junto a Nacho Varela —que también participa en FUJIKINA— creó el proyecto «Todos a la Calle», una iniciativa centrada en talleres y formación de fotografía urbana. Y precisamente, junto a él guiará alguno de los Photo Walks por Madrid.

Nacho Varela

Junto a Gaby Chinea guiará los Photo Walks «Todos a la calle» en FUJIKINA. Nacho Varela es uno de los fotógrafos emergentes más interesantes de la fotografía callejera española actual, especializado en el estilo «candid», es decir, sus fotografías se captan sin intervenir en la escena y sin pedir permiso.

Nacho Izquierdo

Nacho Izquierdo es un fotoperiodista hispano-chileno de mirada cruda, honesta y profundamente humana, afincado en España. Su carrera destaca por su capacidad para retratar realidades rurales, problemas sociales y la identidad cotidiana. Obtuvo el premio «Jesusa Blanco» de la Provincia de Guadalajara gracias a un reportaje gráfico de gran calado social titulado «Sin esquiladores españoles y vendiendo la lana ‘a lo que quieran darme’», publicado originalmente en elDiario.es. Uno de sus trabajos documentales más conmovedores fue acompañar con su cámara a Ascensión Mendieta durante su histórica búsqueda y exhumación de los restos de su padre.

Es el director y fundador de La PhotoEscuela, donde imparte clases desde 2008, y ejerce como editor jefe de la revista de cultura visual y fotografía contemporánea CAPTION Magazine. Sus Photo Walks en FUJIKINA Madrid 2026 beben de eso: no se centrarán en la técnica pura, sino en aprender a observar el caos urbano y anticiparse al instante, en perder el miedo a disparar en el espacio público y buscar imágenes sin artificios. Explica que guiará a los grupos a través del «Madrid más canalla», buscando historias en personajes cotidianos, luces, sombras y escenas urbanas que suelen pasar desapercibidas para el peatón común

Víctor Ortega

Víctor Ortega cuenta con una carrera estrechamente vinculada a la formación fotográfica y a la promoción de la cultura visual en Madrid. Su propuesta «El fantasma. Un año fotografiando el lince ibérico» es una de las intervenciones más destacadas de FUJIKINA, ofreciendo una equilibrada mezcla de experiencia de campo y teoría sobre la fotografía de fauna salvaje en libertad, con especial atención a una especie en plena recuperación.

Este proyecto desvela el esfuerzo invisible y las miles de horas de espera necesarias para documentar al felino más amenazado del planeta en su hábitat natural, narrando la fascinante experiencia de pasar un año mimetizado en el bosque mediterráneo tras el rastro de una criatura tan esquiva que se comporta como un auténtico fantasma entre la maleza.

En FUJIKINA: Como colaborador de Fujifilm España, ofrecerá una ponencia magistral en el COAM. En ella, compartirá las bambalinas de este exhaustivo seguimiento, analizando el uso ético del fototrampeo, la importancia de conocer la biología de la especie para anticipar su comportamiento y cómo gestionar la frustración en la fotografía de conservación para capturar imágenes únicas sin alterar la vida del animal.

Elisa Waves

Elisa Waves representa a la perfección a la nueva generación de creadores de contenido que han sabido romper las barreras tradicionales y fusionar la fotografía profesional con las nuevas narrativas visuales de las redes sociales, especialmente Instagram. Con una estética impecable, luminosa y muy cuidada, su trabajo en torno a la fotografía de viajes y el lifestyle destaca por su capacidad para conectar con el público joven, demostrando que el entorno digital también es un espacio idóneo para la fotografía de autor.

En FUJIKINA, su función principal será abrir el debate sobre la profesionalización de las plataformas digitales. Impartirá una de las ponencias clave del festival bajo el título «El arte de contar en redes, una mirada más personal». En esta charla, Elisa compartirá las claves de su flujo de trabajo y su enfoque estratégico sobre cómo construir narrativas visuales coherentes, atractivas y de alta calidad técnica en redes sociales, siempre desde una perspectiva autoral y honesta que huya de los algoritmos vacíos. Además, formará parte del grupo de expertos que asesorará a los asistentes en las zonas de experiencias y participará activamente en las mesas de debate sobre creación de contenido digital.

Blanca del Rey

Blanca del Rey —cuyo trabajo se mueve entre la fotografía editorial, el retrato y el documentalismo— participará como una de las ponentes principales en el ciclo de conferencias dirigidas a creadores de contenido.

Con la conferencia titulada «La inmediatez en la creación de contenido: fotografiar y compartir al momento», abordará uno de los mayores retos de la fotografía actual: cómo mantener la calidad técnica y la narrativa visual en tiempos devoradores.

En FUJIKINA: Ofrecerá una keynote en el COAM especialmente diseñada para creadores digitales. En su intervención, desgranará herramientas prácticas para optimizar el flujo de trabajo en directo, enseñará a construir historias potentes con agilidad y analizará cómo el uso de la tecnología actual permite disparar y difundir imágenes instantáneas sin sacrificar la esencia, el alma ni el rigor compositivo del autor.

Ignacio Navas

Su participación es una de las más esperadas por los amantes de la fotografía química. Liderará una mesa redonda sobre fotografía analógica (junto al equipo de Photolari), centrándose en la convivencia de los procesos tradicionales en la era digital. Sin duda, él es un fotógrafo con una trayectoria sorprendente que se mueve entre lo documental, lo autobiográfico y la experimentación.

Ignacio Navas es un autor que se mueve con total fluidez entre lo documental, lo autobiográfico y la experimentación visual. Formado en la escuela Blank Paper, su trabajo destaca por explorar las realidades cotidianas y las estructuras sociales a través de proyectos narrativos únicos. Presentará su conferencia «Kickflip» y será el invitado clave en la mesa redonda sobre fotografía analógica coliderada junto al equipo de Photolari. En este espacio central en el COAM, Navas desgranará cómo conviven los procesos tradicionales en la era digital, demostrando cómo la paciencia del revelado y la experimentación con el soporte físico siguen siendo herramientas indispensables para la narrativa contemporánea.

Natalia Garcés

Natalia Garcés es fotógrafa, gestora cultural y directora del Aula de Fotografía de la Fundación General de la Universidad de Alcalá. Fiel a la célebre cita de Chase Jarvis, «la mejor cámara es la que llevas encima», se ha especializado en la fotografía con dispositivos móviles, lo que la llevó a alzarse con un prestigioso premio en los IPPAWARDS (considerados los «Oscar» de la fotografía con iPhone).

Su papel en esta edición de FUJIKINA es doble y de una enorme responsabilidad. Por un lado, es la responsable del diseño museográfico de la gran exposición colectiva del festival, encargándose de dar coherencia espacial y visual a las 27 obras de los autores contemporáneos en el COAM.

Por otro lado, pasará a la acción sobre el terreno: guiará uno de los Photo Walks por Madrid y ofrecerá conferencias donde su discurso girará en torno a la democratización de la mirada. En sus intervenciones, Natalia Garcés enseñará cómo aplicar la narrativa profesional, la disciplina y la composición rigurosa al smartphone para captar la inmediatez de la calle sin sacrificar un ápice de arte..

Pilar Silvestre

Pilar Silvestre es fotógrafa, divulgadora y una de las figuras más queridas de la comunidad fotográfica por su capacidad para humanizar la técnica. Vinculada estrechamente a la fotografía de viajes y la formación visual, su trabajo se caracteriza por un enfoque profundamente pedagógico y un acercamiento al gran público que huye de los tecnicismos vacíos.

Para Pilar Silvestre, la fotografía es una herramienta de atención plena y conexión con el entorno; una filosofía que nació de su propia experiencia personal, donde la cámara se convirtió en el ancla necesaria para reconectar con el mundo y recuperar su propia narrativa visual.

Su presencia será constante en los encuentros con los creadores, actuando como puente entre los profesionales y los aficionados que dan sus primeros pasos. Pilar liderará una de las actividades más dinámicas y emocionales del festival: el taller y paseo fotográfico «Instantes con instax». En esta actividad, defenderá el valor de la fotografía instantánea como un ejercicio de honestidad, enseñando a los asistentes a capturar la magia de lo espontáneo, sin retoques ni segundas oportunidades, y a valorar el objeto físico como el recuerdo definitivo de un momento irrepetible.

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Photolari (Iker Morán y Álvaro Méndez)

Iker Morán y Álvaro Méndez son el alma de Photolari, la plataforma de divulgación sobre tecnología fotográfica más influyente del ámbito hispanohablante. Su estilo, que mezcla un rigor técnico impecable con un humor directo y sin filtros, los ha convertido en las voces más honestas y seguidas del sector. Son expertos en analizar cómo la herramienta —ya sea un sensor de última generación o una cámara de hace treinta años— afecta directamente al proceso creativo y a la narrativa del autor.

En FUJIKINA liderarán el debate sobre la fotografía analógica y la convivencia de los procesos químicos en la era digital. Actuarán como puente entre los amantes de lo clásico y los entusiastas de lo último en tecnología, demostrando que en la fotografía contemporánea todo suma, desde un carrete de 35mm hasta el sensor de gran formato más avanzado.

¿Qué es Photolari?

Photolari es el sello de referencia indiscutible en la divulgación fotográfica en España. Conocidos por su estilo directo, riguroso y cargado de humor, se han consolidado como la comunidad y el medio de comunicación digital más vibrante para los apasionados de la imagen. Su participación es una de las más esperadas por los amantes de la fotografía química, aportando su profunda experiencia en el análisis de formatos tradicionales y nuevas tecnologías.

El equipo de Photolari liderará la mesa redonda central sobre fotografía analógica dentro del bloque de Live Shootings en el COAM. En este espacio de debate, abordarán junto a sus invitados la vigencia de los procesos tradicionales en pleno 2026, analizando las trayectorias de autores que se mueven entre lo documental, lo autobiográfico y la experimentación química, demostrando por qué el grano y el carrete siguen siendo herramientas fundamentales para entender la fotografía actual.